Parade Ground - Cut Up (LP/CD 1988)

Parade Ground fue un dúo belga formado por los hermanos Jean-Marc y Pierre Pauly en 1982. Durante 6 largos años permanecen en el absoluto underground, publicando diversos singles y maxis de cariz más minimal, hasta que en 1988 aparece este "Cut Up", su único trabajo en formato LP.

A Parade Ground se les metió en el saco de la electronic body music por el simple hecho de que el disco fue publicado por Play It Again Sam, sello estrechamente vinculado al citado género. De hecho, su excelente y pegadizo "Strange World" fue incluido en una histórica recopilación del sello titulada "This Is Electronic Body Music", lo que les daría a conocer a un público más amplio. Si bien el tratamiento percusivo en ése y en algún otro tema pueda aproximarles ligeramente a la EBM, lo cierto es que su estilo está mucho más cerca de un synth-pop de connotaciones cold wave, incorporando guitarras que en ocasiones les acercan más al sonido, por ejemplo, de los primeros New Order, que a los ritmos industriosos de los coetáneos Front 242, Nitzer Ebb, Borghesia, Klinik, etc. Además la voz algo aguda y un pelín cansina del vocalista, que me recuerda pero que mucho al cantante de China Crisis, no encaja con las voces profundas y roncas típicas de la body.

De este LP se extrajeron dos singles, el citado "Strange World" y "Hollywood", tras cuya publicación Parade Ground se separan para pasar a formar parte del staff de colaboradores de Front 242 durante la década de los 90, grupo con el que siempre mantuvieron una estrecha relación, y llegan a poner las voces en el álbum "Up Evil" de estos últimos. Sorprendentemente, en 2007 reaparecen en escena, publicando un indigesto álbum de puro ruidismo industrial titulado "Rosary",  producido precisamente por Patrick Codenys de los 242, que absolutamente nada tiene que ver con su pasado synth-pop.

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Master Genius - Let's Break (12'' 1984)

Vamos ahora a por un disco que probablemente no sea un dechado de virtudes en lo que a calidad se refiere, pero que... bueno, tuvo su gracia en su momento y, al menos para mí, tiene un cierto valor de tipo... nostálgico.

A raíz de la expansión mundial de la moda break dance que tuvo lugar a mediados de los 80, fue considerable la cantidad de discos y recopilatorios asociados al fenómeno que invadieron el mercado, la mayoría de ellos productos oportunistas de escasa calidad y realizados por proyectos coyunturales de corta vida.

Metido dentro del mismo saco, aparece en 1984 este curioso 12'' titulado "Let's Break", realizado por un dúo de productores holandeses de música disco sintética llamados Adams & Fleisner, quienes trabajaban con diversos alias, siendo el de Digital Emotion el más conocido. En esta ocasión se hicieron llamar Master Genius. Este disco fue también publicado en España a través de Fonomusic, obteniendo un notable éxito en discotecas y emisoras radiofónicas. Posiblemente es recordado por las onomatopeyas del Pájaro Loco que contiene.

Sin embargo, aunque hay muchos scratches y guiños al break dance, apenas hay presencia de los típicos ritmos quebrados propios del género. Lo que abunda es pura y simple música disco electrónica, en estricto compás 4/4, bastante correcta, subidita de bpm's y de tendencia hi-energy.

El grueso prinicipal del disco lo componen dos megamixes, uno en cada cara, que mediante breaks, efectos y secciones instrumentales realizadas expresamente en el estudio, empalman diversos fragmentos de temas del estilo entonces llamado tecnodisco. Incluye tanto segmentos de superéxitos como el "Living On Video" de Trans-X, como de temas propios como el "Go Go Yellow Screen" bajo el alias Digital Emotion.

Pocos meses después, los mismos productores sacaron otro artefacto similar en formato LP, titulado "Let's Break Into The 80's", repitiendo el mismo planteamiento aunque con mucho menor éxito, y el proyecto Master Genius deja de existir. Al poco tiempo dan vida a otra afortunadamente breve aventura bajo el nombre de Video Kids, explotando hasta la saciedad los cantos del Pájaro Loco mediante la horripilante "Woodpeckers From Space", una estúpida cancioncilla que supongo que todo el mundo que tenga ya cierta edad habrá sufrido alguna vez, y que se conoció aquí con el título de "Pájaros Carpinteros desde el Espacio".

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Performance - Performance (12'' 1982)

Vamos ahora con otro disco más raro que un perro verde. Su rareza no radica en la dificultad en conseguir el vinilo original (se encuentra con relativa facilidad y a precios más o menos asequibles), sino en su contenido sonoro y en lo poco que se sabe de sus autores.

Este maxi sin título es, hasta donde yo sé, el único testimonio discográfico de un trío residente en Francia llamado Performance, formado al parecer por un alemán (Erik Küntz), un holandés (Karl Holmqvist) y un único francés (George Hébert). Fue publicado en 1982 a través de Celluloid, un importante sello franco-americano que a lo largo de los 80 se encargó de la edición en el país vecino de los discos de grupos como los Material de Bill Laswell (quien a su vez era uno de los co-propietarios del sello), The Residents, Tuxedomoon, Yello, Soft Cell y un largo etc., amén de grupos locales y otros de menor calibre.

A pesar de contener cinco temas, la duración total no supera los 11 minutos. El disco se abre y se cierra de la misma manera, es decir, con sendos temas synth-pop ("Pilotes" e "Idéal Présent"), de sabor refrescante y agradable melodía. Entre ambos se sitúan los otros tres cortes, que dan la sensación de ser breves ideas o bocetos sin desarrollar. "Idéal Prison" es algo así como un intrigante reprise de "Idéal Présent", mientras que "Sécurité" y "Tapage Nocturne" son dos miniaturas instrumentales, de ritmo y carácter apacible la primera (no puedo evitar que me recuerde al dúo Air), y más misteriosa la segunda.

Desde luego, este disco no es la obra magna del synth-pop galo, pero suena atemporal y se deja escuchar placenteramente durante esos 10 minutos en que a veces uno sabe qué música poner. En todo caso, es otro extraño fruto de la irrepetible agitación creativa y tecnológica de los primeros 80, que bien merece la pena (re)descubrir.

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Líneas Aéreas - Líneas Aéreas (7'' EP 1983)

(Entrada publicada originalmente en la primera y difunta edición de este blog).

Seguimos con otro de los grupos españoles que tan sólo publicaron un disco. En este caso se trata de los barceloneses Líneas Aéreas, formados por Francisco Palomo (alias Frank P.S.) y Jorge Gúber (ex-guitarra del legendario grupo del legendario grupo punk Último Resorte y de Cosmopolitas junto a Demian).

Publicaron esta única joya en 1983, una de mis favoritas de toda la vida. Aún recuerdo cuando un par de años después, siendo un adolescente, lo encontré en un cajón de saldos a 50 ptas. en un Corte Inglés. Fue publicado a través de Discos Para Desayunar, subsidiaria de Flor y Nata Records, supuestamente en tirada de 1000 ejemplares.

Los tres temas que contiene este EP a 33 rpm, uno de ellos cantado en alemán, fueron grabados en 8 pistas y con escasos medios, y siguen la corriente de ficción tecnológica y afán europeizante promovida por grupos como Kraftwerk, aunque sus robóticos y austeros ritmos les acercan más al sonido de los primeros Human League.

Desgraciadamente el proyecto no tendría continuidad. Quién sabe lo que podrían haber hecho con mejores medios y producción, y si la revista Rock Espezial, referente de la modernidad de la época, los hubiera tratado mejor. A Gúber se le localiza 2 años después en Bégica, publicando como Metropakt un par de temas en sendos recopilatorios colectivos, y en 1988 se alia con Krishna Goineau (ex-Liaisons Dangereuses, suya es la voz del mítico "Los Niños Del Parque") para publicar un único disco con el nombre de Velodrome, uno de cuyos temas, "Capataz", se convertiría en un clásico de la ruta destroy valenciana de finales de los 80.

Hoy en día el disco de Líneas Aéreas, jamás reeditado, es una de las piezas españolas más arraigadas (y cotizadas) entre los coleccionistas de minimal synth de todo el mundo.

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Demian - Kopek/Duende (7'' (1983)

(Entrada publicada originalmente en la primera y difunta edición de este blog).

Peculiar y divertido single publicado por la independiente Lollipop en 1983, compañía que actualmente sigue en activo. Sería el único disco de Demian que vería la luz.

Este barcelonés formó parte junto a Jordi Gúber de un dúo electrónico de breve vida llamado Cosmopolitas. Tras separarse, Guber formaría Líneas Aéreas, mientras que Demian funcionaría en solitario, editando al parecer algunas maquetas que jamás he visto ni escuchado, y este único disco.

La divertida cara A, "Kopek", que hoy día podría formar parte de esas antologías de material friki o bizarro, es un tema de electro-pop minimal que, siguiendo cierta moda romántico-europeísta de la época, incluye recitados en ruso (!), como si de clases particulares de este idioma se tratara, y frases tan desternillantes como "por qué niet open the fenêtre?"

El sonido es muy electrónico y minimal, aunque la presencia de un violín en los comienzos y finales de los temas me resulta algo prescindible. En la forma de cantar se notan claras influencias de David Sylvian de Japan, a la sazón uno de los estandartes de la modernidad snob.

"Duende" en la cara B es un tema synth-pop más convencional. Curiosamente en los créditos consta como productor de este tema un tal Mike Thorn, no sé si se tratará en realidad de Mike Thorne, el que fuera productor entre otros de Soft Cell o Communards, la verdad es que me sorprendería bastante.

Tras este single, nunca más se supo de este hombre. Por cierto, a destacar también la bonita portada desplegable.

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Raymond Scott - Soothing Sounds For Baby Volume I (LP 1963)

De nuevo dedicamos una entrada a la paleontología de la música electrónica. Hoy le toca el turno a Raymond Scott, un verdadero genio visionario que, si no hubiera sido por su enfermizo secretismo, celo profesional y exagerado perfeccionismo hubiera sido sin duda uno de los nombres clave de la electrónica popular del siglo XX.

Hay ingentes recursos en la red sobre Raymond Scott y en especial sobre su faceta electrónica, por lo que aquí haremos tan sólo una breve síntesis expandible.

Raymond Scott fue inicialmente un director de orquesta y músico de swing, que consiguió celebridad gracias a diversas piezas compuestas como banda sonora de los dibujos animados de la Warner. Era meticuloso y exigente hasta tal extremo que sus músicos, al parecer tratados con bastante despotismo, no soportaban trabajar con él por mucho tiempo, a la vez que él consideraba que no había ningún músico capaz de ejecutar su música a su plena satisfacción. Fue precisamente esto lo que le impulsó a partir de finales de los años 40 a inventar, desarrollar y programar extraños artefactos electrónicos que obedecieran sumisamente sus órdenes y así poder prescindir de los músicos. Scott instaló un monumental estudio en su propia mansión, que ocupaba varias salas enteras, pero que muy poca gente tuvo el privilegio de ver. Lamentablemente tales instalaciones e instrumentos los utilizó básicamente para la realización de jingles y sintonías para publicidad, pues su excesiva autoexigencia y su hermetismo rayano en lo paranoico le impidió prácticamente finalizar y divulgar adecuadamente sus propias obras. Aquí podemos ver y escuchar íntegramente uno de esos trabajos publicitarios:

Uno de sus más emblemáticos inventos fue el Electronium, una visionaria máquina que estuvo desarrollando durante unos 15 años y cuya misión era componer y reproducir música, de manera instantánea y autónoma, de acuerdo a una serie de parámetros indicados por el autor. Inteligencia artificial avant-la-lettre: el sueño algo utópico de Scott fue el de poder transmitir la música directamente de su pensamiento a una máquina que la ejecutara. El Electronium fue lo más parecido que pudo conseguir. El único ejemplar superviviente que se conoce de este artefacto es desde hace años propiedad de Mark Mothersbaugh, uno de los miembros fundadores del grupo Devo. Ha estado décadas sin funcionar, pero hace unos meses se han iniciado unos trabajos de restauración que si llegan a buen puerto pueden catalogarse de históricos.

Respecto al disco que posteamos hoy, se trata de la primera entrega de la serie "Soothing Sounds For Baby" de 1963, formada por tres volúmenes independientes, desarrollados junto a un tal Instituto Gesell para el desarrollo del niño y destinadas nada más ni nada menos que a calmar y a la vez estimular diversas facetas del crecimiento de los bebés. Este primer volumen estaba pensado para bebés de 1 a 6 meses. Los otros dos iban destinados respectivamente a bebés de 6 a 12, y de 12 a 18 meses. Fueron publicados en ediciones sumamente cortas por Epic en 1963, y puede decirse que son los únicos trabajos electrónicos de Raymond Scott publicados en vida de manera oficial.

Se trata de una música completamente electrónica, realizada en parte con el Electronium de su invención, así como otros instrumentos ajenos y añejos, como el Ondioline. Son por lo general temas bastante extensos, apacibles, muy minimalistas y ambientales, que generalmente repiten hasta lo mántrico melodías de aire infantil o ritmos que emulan objetos de la vida real (relojes, máquinas de escribir, etc) con leves evoluciones del sonido. Tengo serias dudas de cómo reaccionarían los infantes al escuchar estas juguetonas y marcianas letanías sintéticas, pero lo que está claro es que es una increíblemente pionera música ambiental. Brian Eno tardaría más de diez años en publicar su "Discreet Music".

Estos tres discos han permanecido prácticamente en el anonimato hasta que el sello holandés Basta Music los reeditó en 1997, tanto en formato CD como en vinilo de alta calidad, reproduciendo en este formato las portadas y textos originales.

Para ampliar a fondo conocimientos sobre la vida y obra de Scott, existe un documental biográfico titulado "Deconstructing Dad - The Music, Machines and Mystery of Raymond Scott" cuyo trailer podemos ver aquí:

Y existe también un imprescindible doble CD más libro, de obligada compra para cualquier aficionado serio de la retroelectrónica, titulado "Manhattan Research", del que nuestro amigo Audionaut da buena cuenta en su fantástico blog Audionautas. Fue también publicado por Basta Music en 2001, y que sirvió para dar a conocer de manera más amplia y general las chifladuras electrónicas de este caballero, hasta entonces prácticamente desconocido a pesar de todo el tiempo y recursos que dedicó en vida al asunto. Tan sólo por el impresionante libreto de más de 100 páginas, plagado de fotos de época, toneladas de información, entrevistas, etc., vale su peso en oro. Y si añadimos el contenido sonoro de los 2 CDs, una excelsa recopilación plagada de prehistóricos sonidos sintéticos realizados por Scott desde sus laboratorios privados en los años 50 y 60, precisamente llamados Manhattan Research, podemos decir que estamos ante uno de los más importantes álbumes electrónicos jamás publicados. Nunca, nunca me cansaré de recomendar encarecidamente este álbum.

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Snowy Red - Snowy Red (LP 1981)

Inauguramos el nuevo año con una entrada dedicada al primer LP de Snowy Red, una pieza poco menos que legendaria dentro de esa "campaña de recuperación de la memoria sintética" conocida como minimal synth.

Snowy Red fue el nombre artístico de un belga apodado Mickey Mike y de nombre real Marcel Thiel. Tras formar parte de Chainsaw, según algunos la primera banda punk que existió en Bélgica, a finales de 1980 cambia totalmente de tercio, se monta un modestísimo estudio doméstico con equipación analógica, y autopublica éste primer álbum, de título homónimo, en 1981.

Resulta evidente la influencia de artistas coetáneos como Gary Numan o John Foxx, aunque las limitaciones impuestas por la escasez de recursos en este disco le da ese toque distintivo y especial, en muchos momentos considerablemente oscuro, hipnótico y repetitivo. Asimismo, en temas como "Maud Is Dead" o "Baby Tonight" se advierte también la más que probable atracción que Mickey Mike sentía por Suicide.

Su puesta en escena es la típica de este tipo de artistas durante los primeros 80 y que ponía nerviosas a las mentalidades más rockistas y conservadoras de la época: Mike solo en el escenario, acompañado de un par de bailarinas, magnetofones con cintas pregrabadas y pases de diapositivas.

Al año siguiente, amplia ligeramente su estudio, al que dota ya de 8 pistas, y aparece su segundo LP, "The Right To Die", también autopublicado a través de su propio sello Dirty Dance e igualmente de sumo interés.

A partir de 1983, Snowy Red pasa a ser un grupo de cinco miembros, publicando al año siguiente un irregular álbum titulado "Vision". Su sonido se ha profesionalizado y se inclinan por un funk electrónico más comercial. A pesar de mantener cierto aire oscuro en algunos temas, el encanto de esos dos primeros LPs se ha perdido totalmente.

Tras un largo período de silencio, Snowy Red reaparece en 1988, de nuevo como proyecto en solitario de Mike, y da un nuevo giro a su trayectoria. Publica al año siguiente su cuarto y último álbum, premonitoriamente titulado "The Beat Is Over", orientado esta vez hacia la EBM y el new beat, estilos que estaban en su máximo apogeo y en los que pasa a ocupar una modesta posición, ascendiendo ligeramente su popularidad. Se embarca en una gira europea junto a à;GRUMH y Skinny Puppy, tras la cual desaparece totalmente.

A principios de los 2000, el floreciente interés en oscuridades electrónicas de 20 años atrás motiva la reaparición en 2004 de Snowy Red para dar algunos conciertos, con Mike acompañado en esta ocasión por un guitarrista llamado HH Del Rio. Parecía que iba a haber continuidad en la resurrección mediante la publicación de nuevo material, pero finalmente se encalló por asuntos legales y no vio la luz.

En mayo de 2009 Marcel Thiel fallece a causa de complicaciones post-operatorias derivadas de multiples problemas de salud que venía arrastrando.

Hoy día, o por lo menos hasta hace un par de años, la cotización tanto de éste como de su segundo álbum podía superar los 150-200 € cada uno. La proliferación de reediciones piratas, crisis, saturación del mercado, etc, ha motivado un ligero descenso. Por cierto, es una verdadera lástima que a estas alturas todavía no se haya reeditado este material de manera oficial.

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A Number Of Names - Sharevari (12'' 1981)

Por norma general suele citarse a los detroitianos Cybotron, y en concreto su tema "Alleys Of My Mind" de 1981, como la semilla original del denominado Detroit techno, género que se expandió a lo largo y ancho del planeta unos cuantos años después aprovechándose del fenómeno acid-house. Quizás debido a la presencia de Juan Atkins en esos primeros Cybotron, uno de los miembros de la llamada Santísima Trinidad del techno de Detroit junto a Derrick May y Kevin Saunderson, y una autoridad mundial en el ámbito de la música electrónica, esa afirmación se ha considerado generalmente un teorema irrefutable.

Sin embargo, no son pocas las voces que discrepan al respecto, argumentando con contundencia que este visionario maxi titulado "Sharevari", publicado semanas antes del citado tema de Cybotron, contiene la verdadera esencia que dio origen al subgénero. Y puede ser que razones no les falten.

A Number Of Names fue un efímero trío, también de Detroit, formado por Sterling Jones, Paul Lesley y Roderick Simpson. Su testamento discográfico se reduce prácticamente a este tema emblemático que aquí presentamos. A pesar de la corta vida artística de sus autores, este tema ha alcanzado tal estatus de leyenda que su  nombre aparece ya escrito en letras de oro en todas las narraciones históricas de la música electrónica popular que se precien, como el libro "Techno Rebels" de Dan Sicko, en el que profundiza con detalle al respecto.

En resumen, "Sharevari" debe su título a un club de Detroit de idéntico nombre, un glamouroso local frecuentado por la flor y nata del pijerío local, que acudían en sus lujosos coches ataviados con prendas de alta costura, y donde las ondas neorrománticas, tecnopoperas e italodiscotequeras, emitidas desde la Vieja Europa, causaban estragos entre una juventud ávida de sonidos modernos. El nombre del club proviene a su vez de una línea de moda francesa llamada Charevari.

Precisamente de todo ese lujoso ambiente trata la canción, algo que quizás no encaja con la imaginería científica y tecnológica que se le presume al techno. Sin embargo, el colchón musical sobre el que A Number Of Names narra su historia se avanza sin duda unos cuantos años al devenir de la eletrónica de baile. Evidentemente, contiene trazas de música disco y textos algo superficiales, pero esa línea de bajo, de carácter oscuro, hipnótico y lineal, anticipa claramente unas estructuras acid todavía muy lejanas. En todo caso, un tema que sin duda hay que tener en cuenta a la hora de narrar la apasionante historia de la música electrónica.

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Heavy Duty Breaks (LP 1984)

Tal como explicamos en la entrada correspondiente al recopilatorio "Discordia", durante 1984 y 1985 el sello D.R.O. publicó en España unos cuantos discos del sello británico Illuminated Records. Éste fue uno de ellos, publicado en UK en 1984, y que apareció aquí al año siguiente, a través de una subsidiaria de D.R.O. llamada Neón Danza, a la sazón recientemente creada, y que estaba especializada en productos destinados a la pista de baile.

Este "Heavy Duty Breaks" (juego de palabras basado en la expresión heavy duty brakes, algo así como frenos para vehículos pesados) es en realidad una especie de megamix en clave radical dance (efímera denominación que se le dió a la música electrónica de baile con tendencia industrial) basado en varios temas de grupos de Illuminated, como Portion Control, 400 Blows, 23 Skidoo, Tara Butler, etc. Vamos, una especie de Max Mix (un producto bastante célebre en la época), pero realizado con materiales más... abrasivos. Fue realizado por un tal Eddie "Evil" Richards, junto al polifacético Martin Glover, entre otras cosas ex-bajista del legendario grupo after-punk Killing Joke, y más conocido como Youth.

Richards y Youth no se limitaron a realizar un megamix simplemente empalmando los temas a la manera del citado Max Mix, sino que incorporaron arreglos propios para las potentes bases rítmicas y las transiciones, siendo en este sentido un trabajo muy precursor. El resultado son dos enérgicas mezclas de 15 minutos que, aunque arrastran algún tic coyuntural de la época, suenan bastante adelantadas a su tiempo. Los ritmos quebrados de la cara A, de tempo más calmado y salpicada de scratches, tiene un aire, digamos, break-dance, pero la cara B, más subida de bpm's, es demoledora teniendo en cuenta el momento en que fue publicado este artefacto.

Un disco bastante olvidado pero que sin duda merece la pena ser revisitado.

La lista detallada de temas que forman cada megamix es la siguiente:

Cara A:
400 Blows - Pressure
23 Skidoo - F.U.G.I.
Out - Tough Enough
Dormannu - The Dread
Zazou - M'pasi Ya Pamba
400 Blows - Grove Jumping
23 Skidoo - Coup
400 Blows - Declaration of Intent

Cara B:
Executive Slacks - Our Lady
Data - Blow
Portion Control - Raise the pulse
Data - Blow
Portion Control - Go-Talk
Power to Dream - Faith Healer
Tara Butler - Up against the wall
Power to Dream - Faith Healer
Sex Gang - Dieche

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Korta-Zaharra - Transit Motion (7'' 1985)

Korta-Zaharra fue un dúo vasco formado en 1984 por los hermanos Begoña y Fernando Kortázar. Desde muy joven Begoña es una nómada que ha residido ya en lugares tan exóticos o lejanos como Marruecos o Australia.

A principios de los 80 recala en Nueva York. Allí es bajista de un grupo llamado Work, mientras su hermano Fernando forma parte de un grupo barcelonés llamado De la Motta. Ni una ni otro están demasiado satisfechos con lo que hacen, por lo que Fernando se traslada también a Nueva York en verano de 1984 y forman el dúo. Poco a poco desarrollan conjuntamente las ideas que les rondan por la mente y van componiendo un repertorio. Begoña desprende cierto aire místico, tanto en su manera de cantar como en ciertas declaraciones en que manifiesta que la música es el camino que tiene para comunicarse con el más allá.

Al año siguiente viajan a Madrid acompañando al novio de Begoña, un escultor norteamericano que expone en la feria Arco '85 y cuya exhibición musican los hermanos Kortázar. Aprovechan su estancia en la capital para contactar con Grabacciones Accidentales, y firman para publicar este single, que también apareció en formato 12'' incluyendo una extended mix de "Transit Motion" apenas un minuto más larga.

Se trata de un par de canciones catalogables como funk electrónico, con tempo lento y estructura break dance en "Transit Motion", y mayor dinamismo en "Dive Out", en mi opinión mucho mejor. En la grabación participan otros dos músicos, César Molero y José Jiménez, que consiguen dar un matiz muy cálido y casi exótico a su música, con un tratamiento percusivo muy interesante, especialmente en el trabajo a los bongos de José Jiménez.

Poco después de publicarse este disco, y a pesar de que prometían continuidad, el dúo desapareció en combate. Hoy en día diría que es uno de los discos más olvidados del panorama pop nacional.

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